苏墨（高苏琳）

李可染画院青年艺术家

李可染画院岩彩工作室签约画家

北京工笔重彩画会会员

广东省青年艺术家协会会员

壁画及泥制彩绘文物修复师

唐代皇家壁画传承人

终生学习者论坛发起人及会长

主要参展

2023年唐代壁画艺术馆壁画展

2024年广州光孝寺书画展

2025年武夷山岩彩创作展

2025年“本土质觉”岩彩绘画研究展（北京）

2025年“本土质觉”岩彩绘画研究展（贵州平行展）

2025年超维-2025国际当代艺术展

2025年艺述未来——全国青年艺术家提名展

2025年第七届UWEE卢浮宫国际艺术展

2025年UWEE卢浮宫国际艺术展意大利平行展

2025年和光：当代艺术展

2025年前往·时代之光美术作品大赛

2025年一束光——第二届中国当代艺术作品邀请展

2025年南方共振青年岩彩艺术家共创展

2025年2025新人新作展

我以足尖丈量武夷大地，指尖触摸有色土与砂岩的肌理。

每一次研磨都是与自然造化的深度对话；每一笔岩彩铺陈，都在演绎材料与心性的交响。

看着这温润的大地之色，热泪盈眶，激动的心颤抖的手，此刻我知道，余生我将沦陷于岩彩创作中。

苏墨写于武夷山

关于岩彩与创作之思

文/苏墨

谈到岩彩艺术的魅力，首先在于独特的材质美感，是其他所有画种难以替代的视觉体验。

它像一位跨越东西方的艺术通才既能演绎素描的虚实辩证，又兼具版画黑白灰的构成张力，还拥有油画般冷暖鲜灰色丰富的色彩表现，更能承载中国画以线立骨的千年文脉。

在岩彩的世界里，传统山水、花鸟、人物的界限被彻底打破，真正的岩彩艺术家们必须具备全方位造形能力，这种自由使我着迷。

岩彩是当代的，作为岩彩画家，对于沙岩土进行绘画是我对本土文化身份的自觉，是我关注的对文化根性的探索。

我们的根就在本土，在富饶的祖国大地中

走入大自然，亲近她探索她，理解地质及其内涵与独特的物理特征，理解人与自然的关系，通过亲身行走文脉之路，通过大地采集获得我们的创作媒介（砂岩土）就是我们的岩彩材质，由此走入当代艺术世界，这也是岩彩绘画真正意义，而我的艺术形式一定是和本土地质发生关联的，而在使用材质表意时，做到“手、心、眼”浑然一体。

因为绘画，本质上是"绘心"的过程，每一笔触都是心迹的自然流淌，唯有真诚地捕捉当下、表达此刻，作品才能获得生命。

令人惊叹的是，当开始创作时，我手下自然流淌出许多未经教授的表现技法——这或许就是"由心而生"的艺术魔力。

创作历程：

1、敦煌本土采集

走入自然初探索，思维停留在有色沙岩土=颜料。

2、武夷山本土采集

大地之色如烟花般绚烂，第一次热泪盈眶，第一次对祖国大地饱含深情，身土不二，思维已转向当代之思。

3、龟兹本土采集

岩彩之根源探索原点具象化。

4、埃及文化探究

欧亚文化探究与中国早期绘画和而不同之处。

5、矿物言说

晶体矿物诠释落日余晖与水影交织之美。

6、关于岩彩当代性的表达与探索

结合中国及欧亚壁画所带来的艺术语言及岩彩在当代语境中的探索与实践。

展开说说......

1、敦煌本土采集

走入自然初探索，思维停留在有色沙岩土=颜料。

作品《榆林三宝》榆林窟25窟

2、武夷山本土采集

大地之色如烟花般绚烂，第一次热泪盈眶，第一次对祖国大地饱含深情，身土不二，思维已转向当代之思。

作品《烟花1》

作品阐释

这幅岩彩画以烟花绽放的瞬间为灵感，捕捉火焰迸发的炽烈与动感。画面中央，金黄焰火如狂舞的精灵，层层叠叠的矿物颜料堆砌出灼热的能量，而飞溅的岩彩颗粒则强化了爆裂的冲击力。三颗醒目的黑点从火焰中跃出，似陨石，似种子，又似未解的隐喻，为绚烂注入一丝神秘与张力。传统岩彩的粗砺质感与当代抽象表达碰撞，探讨毁灭与新生、瞬间与永恒的辩证——那些黑色的“异质”，正是繁华中最深邃的谜题。

作品《烟花2》

作品阐释

这幅岩彩作品以烟花燃尽后的余韵为灵感，描绘升空绚烂后归于平静的底座。画面以灰与暗红交织，层叠的岩彩形成斑驳的灼痕，仿佛余温仍在空气中缓慢消散。不同于前作的激烈迸发，此幅笔触更为收敛，色彩在混沌中沉淀，如同一个安详的句点。岩彩粗砺的颗粒感模拟出燃烧后的残迹，而偶然流淌的浅色纹路则暗示曾经的光轨——繁华落幕后的静默，亦是一种深邃的完成。

在我看来，三角形是稳定与棱角的共同体，它象征着每一个独立的个体——内里坚实，对外锋芒。我们每个人都是一个这样的三角形，带着自己独特的性格与边界，在世间存在。

这幅作品是系列组图的第一章，定格关系伊始那决定性的瞬间。画面中，黑色三角形如磐石般奠基，象征着个体内在的沉静深渊或未曾向世界展露的根基。其上，橙红色三角形以饱满、炽烈的姿态全然“覆”下，居于黑色区域的中心——这是一种毫无保留的倾泻，是情感初生时那种近乎盲目的、想要完全融入与占有的冲动。

“叠影”在此刻，是理想化的重叠。是两个独立灵魂在相遇瞬间迸发的强烈吸引力，渴望消弭所有边界，合二为一。而“峙”则巧妙地隐藏在这种热烈的覆盖之下：那黑色的基底依然保持着其完整的三角形轮廓，暗示着独立的根基未曾动摇；橙红虽覆于其上，但两者严格的几何形态，预示着内在的棱角依然存在。

背景的灰蓝、浅蓝与浅橙，渲染出一种悬置的、如梦似幻的氛围。这并非现实的场景，而是情感高度提纯后的心理空间，是所有深刻关系开始时，那片忽略了世俗与时间、只存在于二人之间的“场”。

在此，岩彩的材质——砂岩土的朴拙与矿物色的璀璨——共同凝固了这“第一眼”的纯粹与剧烈。它是火山喷发前最浓烈的聚积，是故事扉页上最浓墨重彩的一笔，为下一篇章的“磋磨”与“显真”，埋下了必然的伏笔。

这一幅展现了关系在经过初期的碰撞与交融后进入的更深层次。

如果说第一幅《叠影 · 初峙》是灵魂相遇的瞬间，那么这一幅描绘的便是关系在时间中的历程。当激情退去，真实的磨合方才开始。画面中，那个曾经炽烈夺目的橙红色三角形收敛了它的光芒与体积，披上了一层由岩彩颗粒构筑的“外衣”。这层外衣，是时间留下的包浆，是自我保护的距离，也是社会角色赋予的面具。然而通过刮刻的技法，我们得以窥见其下那一丝不曾熄灭的、真实的橙红内核——那是历经淘洗后依然葆有的本真，是只为信任者显露的脆弱与柔软。

更意味深长的是形态与位置的改变。两个三角形都脱离了最初的规整样态，它们的棱角在彼此的“磋磨”中发生了改变，仿佛被时光和水流打磨过的岩石，变得更加圆融，也更富于个性。 它们不再处于偏安一隅的试探状态，而是共同占据了画面的中心，宣告着这段关系已成为彼此世界的重心。

最关键的变化在于连接的方式：披着外衣的橙红三角形，不再叠压于黑色的中心，而是轻轻地“搭”在黑色三角形的一个角上。 这是一种举重若轻的依存。这个“搭”的动作，充满了选择性与智慧，它需要绝对的信任，也保留了完整的自我。黑色的三角形于此化身为一座“默岳”，以它的稳定与坚韧，承接了这份珍贵的依托。

在此，岩彩的材质语言得到了极致发挥：刮刻痕迹是创伤，也是透光的缝隙；粗砺颗粒感是生活的质地，是共同经历的沉淀。这幅作品讲述的正是：最深刻的关系，并非永不磨损的完美重叠，而是在时间的磋磨中，彼此重塑形状，最终找到一个巧妙的支点，相依而立，让内在的真火，在守护中得以永恒地微燃。

作品《地脉行书1》

作品阐释

这幅岩彩作品以中国特有的砂岩为骨，矿物色为魂。画面以苍劲的书法笔触挥洒出黑白灰的主调，如命运之线在时光中游走；底部泼彩形成的斑斓底色，是生命最初的混沌与可能。通过刻、凿、磨等手法在岩彩层中留下的痕迹，恰似岁月在每个人身上雕刻的故事。最后点染的那抹朱砂红，犹如生命在历经沧桑后依然跳动的心脏，在粗粝的岩彩肌理中迸发出最动人的光彩。整幅作品以最原始的材料，诉说着最永恒的生命诗篇。

作品《地脉行书2》

作品阐释

聚焦于岩彩本体语言，旨在探索材料自身所蕴含的观念与精神性。作品在武夷山在地而作，直接取用当地砂岩与矿物，其物质本身即承载了在地性的历史记忆，使创作成为一场与大地物质的直接对话。

刻意剥离一切绚丽的表象色彩，回归黑、白、灰的物质本源。通过泼洒、堆积、凿刻与具有金石书法意味的挥毫，强化了岩石的物理属性：它的重量、破碎性以及结晶内蕴的微光。自然龟裂与人为痕迹共同构成本作品的“地质文本”，隐喻自然伟力与人文活动的交织。

在这一片由大地物质构成的沉厚肌理之下，我希望凸显的是一种岩彩特有的“材质之光” 。这光，既是祖国富饶的本土砂岩自身折射的物理微光，更是深藏于地脉之中、关于生命韧性的精神辉光。创作行为本身，即是对这种内在之光的挖掘与显影。

作品试图重新定义“光”的感知：它并非总是明亮轻逸的，它可以是一种密度、一种重量、一种历经时间碾压后依然坚存的内在性照亮。本次创作因而是一次肃穆的视觉哲思，邀请观者摒弃浮泛的想象，去感知一种源自大地深处的、沉静而恒久的支撑之力。

3、龟兹本土采集

岩彩之根源探索原点具象化。

作品：龟兹60窟上方窟《密迹金刚》

作品：龟兹60窟上方窟《迦叶》（已收藏）

作品：龟兹224窟（合作/已收藏）

4、埃及文化探究

欧亚文化探究与中国早期绘画和而不同之处。

作品《永恒的侧颜》

作品阐释

《永恒的侧颜》以岩彩再现古埃及神祇塔特嫩，从“正面律”传统出发，解构“侧脸正肩”的仪式构图。画面以埃及蓝为主调，砂岩与矿物色面层叠出岁月肌理，线条凝练传递神性威严。在平面中折叠时空，邀请观者与三千年前的目光相遇。几何造型与饱和色彩，既唤醒文明记忆，也诠释“限制中的创造”。作品于碎片时代，提供一份凝练而永恒的美学样本。

5、矿物言说

晶体矿物诠释落日余晖与水影交织之美。

作品《金舟溯梦》

作品阐释

本作品构建了一个极具个人色彩的记忆与追寻场域。画面基底是我长期探索的标志性色调——源自天光落霞的粉红与粉蓝，它们交织晕染，形成一片温暖、梦幻而又辽阔无边的精神海平面。在这片独特的“霞色之海”上，由金属箔精心塑形并勾勒的“金舟”逆流航行。岩彩天然颗粒的沉淀感与金箔的璀璨流光相融，在手工纸的肌理间碰撞出虚实交错的辉光。金的坚硬与色的流动形成强烈张力，使金舟既是画面中的实体，又仿佛是从梦境中剥离出的一个执念的剪影。这叶“金舟”是一个强力的精神符号。它既是璀璨个人记忆的凝结体，亦是一种西西弗斯式的、近乎悲壮的执念化身。它在其所眷恋的霞光中逆流而行，并非为了实际的抵达，而是为了确证自身的存在——追寻本身，即是意义的发生场。

6、关于岩彩当代性的表达与探索

结合中国及欧亚壁画所带来的艺术语言及岩彩在当代语境中的探索与实践。

作品《愈1》

作品阐释

即时发生，真实过程，一次创作一次关于伤痛的探索与治愈完成。

岩彩的层积是时间的隐喻，八枚残损的近似心形的轮廓在反复的刮削与填补中渐次显现。创作是即时发生的，每一次破坏都是存在的证明，每一道修复都是记忆的重构。岩彩颗粒在暴力中迸裂，又在沉淀中重组——生命的本质或许正是如此：在持续性的溃散中，我们以自身的碎屑重建形状。

那些刻意保留的残缺处，是拒绝完全愈合的固执；而层层覆盖的厚重肌理，则暗示着伤痛最终都会成为支撑我们站立的基石。作品以材料的物质性转换，探讨创伤与成长互为因果的存在辩证——愈者，非复原如初，而是学会与裂痕共生。

作品《愈2》

作品阐释

这是我在岩彩创作中首次褪去粗粝的外衣，以细腻的呼吸晕染开来。首次以梦幻的笔触呼吸——每一抹色彩都是味觉的隐喻：蓝是海盐的微涩，粉是蜜桃的初熟，黄是柠檬的清醒，绿是薄荷的沁凉。   每一颗心都像被糖霜包裹的伤口，甜蜜的色层下藏着未愈的结痂——那是对痛觉的温柔驯化，也是记忆在味蕾上的结晶。  

技法革新使矿物颜料呈现出蜜饯般的透光质感，仿佛伤痛被浸泡成了果脯。酸涩的黄、甜腻的粉、回甘的紫在舌尖交织，证明治愈从来不是遗忘，而是让伤痕发酵出令人眷恋的滋味。  

（注：此作为《愈》系列变奏，以味觉通感重构创伤美学）

倒影系列作品

倒影系列的创作始于胡老师所分享的一则关于根特夕阳的朋友圈，它唤醒了我心中长期沉淀的对水中倒影的痴迷。我重新翻找出过往珍藏的诸多倒影影像，并尝试以岩彩的视角来展开创作。

在画面表现上，我刻意再现了从大地直接获取的材料——有色沙岩、有色土与晶体矿物质颜料——本身所蕴含的生长逻辑。这些源自地质运动的材质，在画面中并非被均匀涂抹，而是依循自然层积、沉淀、显露的节奏，模拟岩层在地貌中缓慢形成的状态。矿石晶体如被包裹在岩脉之中，时而隐没，时而闪烁，在色层叠加间形成一种近乎“生长”的视觉痕迹。于是，倒影不再只是水面的虚像，也成为矿物世界在时间中累积、沉淀与映照的视觉隐喻。

作品《浮光入梦》

作品阐释

这幅岩彩创作是倒影系列其中之一，源于我对水中倒影的长期凝视与迷恋。

这张画作是一场邀请，邀请观者《浮光入梦》。

水面被我赋予了一片弥漫的粉调，它不再是现实的镜面，而是一道柔软的梦境边界。当建筑的倒影落入其中，坚实的形体便开始消融，被分解为温暖之黄与神秘之紫的交响。这两种色彩在粉色的水面上相互渗透、喃喃私语，构筑起一个超越物理规律的视觉乌托邦。

我运用岩彩的天然颗粒与层叠肌理，去捕捉光线在水波中震颤、浮动的瞬间。那些闪烁的矿物晶体，正是“浮光”的具象呈现，也是引导视线进入这个梦境国度的微小路标。

创作于此，已非描绘倒影，而是主动打开一扇门——一扇通往色彩与光线最本真、最自由状态的门。当现实被水的柔情重新阐释，我们便得以坠入那个始终潜伏于表象之下的、斑斓的梦里。

作品《止水窥形》

作品阐释

这幅岩彩创作是倒影系列其中之一，源于我对水中倒影的长期凝视与迷恋。当坚实的物体被水面接纳，其清晰的轮廓与结构便开始柔化、变形，最终融汇成一片色彩与线条的私语。我试图通过岩彩这一极具物质感的画种，将这一转瞬即逝的视觉奇迹凝固下来。

画面中，我以绿色系为主调，通过岩彩颗粒的粗细变化与多层叠染，精心构筑水体的通透感与流动的质感。这不仅是视觉上的“水”，更是一种能够重塑现实的、具有生命力的媒介。倒影中的房屋，被我解构为冷暖、鲜灰交织的黄色与蓝色块面，它们既是建筑的碎片，也是色彩的情绪。其间刻意点缀的几抹紫色与橙色，如同平静叙述中偶然迸发的灵感，打破了色彩的平衡，却又为画面注入了内在的活力与节奏。

最终，这幅作品超越了单纯的景象描绘，成为一场关于“真实”的探讨。水波所映照的，并非物体的表象，而是其卸下物理束缚后，在光的波动中呈现出的内在本质与诗意形态。我希望能邀请观者一同驻足，在这片由矿物晶体与色彩构筑的“止水”前，窥见一个既熟悉又陌生的、荡漾着的超现实世界。

关于倒影的系列创作探索还在持续进行中……

岩彩绘画让我日日如潮涌般的的思绪有处安放，

自此笃定地去做确定的事，看到内心和世界的多种可能性。

感恩！

苏墨于广州

2025年12月13日凌晨

敬请关注

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